Dans la continuité de l’anthologie Le Cinéma de François Truffaut, voici couplées deux bandes (très) originales, Jules et Jim et Les Deux Anglaises et le Continent. Deux partitions signées Georges Delerue pour deux adaptations de romans d’Henri-Pierre Roché, l’un des auteurs d’élection de Truffaut.
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Ce disque réunit les BO du tandem Marcel Carné/Jacques Prévert : "Les Visiteurs du Soir", "Drôle de Drame", "Le Quai des Brumes", "Le Jour se Lève" et "Les Portes de la Nuit".
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Mychael Danna est le complice du réalisateur Atom Egoyan depuis "Family Viewing" en 1987. "Exotica" marque leur septième collaboration.
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John Morris est le compositeur fétiche de Mel Brook qui produit ce deuxième long métrage de David Lynch.
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Première incursion dans le domaine cinématographique du chanteur Christophe pour la bande originale de La Route de Salina, avec du lyrisme et des accents de western pour les grands espaces du Nouveau Mexique.
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Omniprésent, le violon soliste retranscrit ici toutes les émotions du film et plus particulièrement cette mélancolie poignante et retenue à fleur de peau, une caractéristique principale du superbe score de James Newton Howard. La partition de The Village ainsi fait preuve d'une grande sensibilité, épousant la romance de l'histoire, les émotions et la psychologie des personnages. Chef-d'oeuvre.
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Quatrième collaboration entre Kitano et son fidèle compositeur Joe Hisaishi, Hana-Bi est dans la lignée des partitions intimes de A Scene At Sea ou Sonatine, et évoque le côté poétique et intime du film avec une certaine lenteur, une mélancolie très présente et aussi un côté toujours très simple, sobre, et modeste, comme c'est souvent le cas dans les BO d'Hisaishi pour les films de Kitano.
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Dernière collaboration entre François de Roubaix et Robert Enrico.
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Alberto Iglesias signe ici l'une de ses plus brillantes partitions pour Pedro Almodovar, un monument de subtilité, de sentiments et de non-dits suggérés en musique. Le disque comporte quelques chansons qui contribuent de faire de cette BO une partition culte dans la filmographie du duo espagnol.
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Eleni Karaindrou retrouve son fidèle compatriote grec Theo Angelopoulos après "Voyage à Cythère" (1984), "L'apiculteur" (1986), "Paysage dans le brouillard" (1988), "Le pas suspendu de la cigogne" (1991), "Le regard d'Ulysse" (1995).
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Le duo électro français AIR compose pour ce premier film de Sofia Coppola une BO culte, aux mélodies planantes et éthérées.
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Unique collaboration entre le compositeur hollywoodien Miklós Rózsa et le cinéaste français Alain Resnais.
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James Horner est le complice de Ron Howard depuis 'Cocoon' en 1985. 'Apollo13' marque en 1995 leur troisième collaboration (après 'Willow') et peut être la plus intéressante de toute. Les drames humains ont toujours particulièrement inspirés Horner qui signe sur 'Apollo13' un score solennel, sombre et dramatique en même temps. La thématique reste forte dans cette partition avec trois grands thèmes parcourant la partition et l'ancrant dans le cadre solennel du film. La musique d'Horner sonne juste et évite d'en faire de trop en créant des thèmes forts mais pas surpuissants, des thèmes qui sont finalement très humains.
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Dernière musique de Bernard Herrmann (avant son décès en 1975) pour une unique collaboration avec Martin Scorsese.
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Basée sur des instruments folkloriques de Macédoine et du sud de la Sibérie, et appuyée par le chœur de la Cathédrale orthodoxe du Patriarcat de Belgrade, la B.O. de Goran Bregovic mélange musique traditionnelle et chants sacrés. Des thèmes de Kuduz, un film d'Ademir Kenovic, s'ajoutent aux extraits du long métrage de Kusturica qui reçut en 1989 le prix de la mise en scène au Festival de Cannes.
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C'est Thomas Newman qui a été choisi pour illustrer ce déluge d'images à la fois déconcertantes et poétiques. Une musique simple où guitare et flûtes illustrent le paysage charmant et paisible où vit notre petite famille bien tranquille. Un style presque bucolique, à l'image de la beauté du sac plastique dansant avec la caméra au milieu des feuilles mortes.
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Giorgio Moroder retrouve Alan Parker sur ce drame après la comédie musicale FAME avec ses célèbres synthétiseurs.
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Première collaboration entre le guitariste Ry Cooder et le réalisateur allemand Wim Wenders, avant de se retrouver sur THE END OF VIOLENCE en 1997.
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Il n'existe pas de musiques plus intemporelles ni plus fascinantes que celles de Philip Glass . Profondément ancrées dans le 21ème siècle de part leur démarche novatrice voire révolutionnaire ( Einstein on the Beach ), ses compositions n'en demeurent pas moins des chroniques de toutes les époques.
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Zoran Simjanovic retrouve Emir Kusturica après “Te souviens-tu de Dolly Bell?” (1981). Comme le cinéaste le fera par la suite avec Goran Bregovic, il invite son compositeur à concevoir un thème obsédant qui reviendra souvent dans le film. Cette musique à la fois festive et triste participe, comme la musique de Nino Rota chez Fellini, à élaborer un climat féérique et onirique, à la fois intérieure (la musique de l’enfant atteint de somnambulisme), et extérieure (le thème est repris à l’image par certains personnages). Il s’agit aussi de la musique d’un mensonge, d’un bonheur factice inventé pour l’enfant. Comme plus tard avec “Underground”, la musique est là pour masquer une guerre dissimulée.
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Thomas Newman signe la musique de ce drame carcéral adapté de Stephen King, premier film de Franck Darabont, qu'il retrouvera ensuite sur "La ligne verte" (1999).
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Unique collaboration de Jack Nitzsche pour le cinéaste tchèque Milos Forman.
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La compositrice anglaise Jocelyn Pook signe la musique du second film de Laurent Cantet.
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La musique de Bernard Herrmann fait aujourd'hui partie des grands chef-d'œuvres de la musique de film, une musique immédiatement reconnaissable par son célèbre motif principal en forme d'arpèges de quintes augmentées ascendantes puis descendantes symbolisant le mystère et le suspense du film, ainsi que la phobie du vertige qui hante le héros tout au long du film.
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Philippe Sarde retrouve Roman Polanski après 'Le Locataire' et avant 'Pirates' (1986) avec des envolées brahmsiennes pour cette romance historique dans l'Angleterre du 19ème siècle, avec Nastassja Kinski dans le rôle titre.
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Nicola Piovani retrouve une dernière fois son compatriote italien Nanni Moretti après "Sogni d'oro" (1981), "La messe est finie" (1985), "Palombella rossa" (1989), et "Journal intime" (1993)...
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Thomas Newman retrouve Frank Darabont (et Stephen King) 5 ans après The Shawshank Redemption (Les évadés).
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Le célèbre "thème de Camille" a presque occulté le reste de la partition d'autant plus que Godard l'a exploité dans le film jusqu'à saturation, pour évoquer l'usure du couple et le ressassement. Le reste de la partition est tout aussi intense, à l'image de l'ouverture (avec Bardot allongée et dénudée). Cette scène culte inspire à Delerue une ambiance mahlerienne de tendresse et de tragédie mêlées ("Je t'aime totalement, tendrement, tragiquement").
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Howard Shore retrouve Jonathan Demme deux ans après LE SILENCE DES AGNEAUX.
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Alan Silvestri signe ici l'un de ses chefs d'oeuvres, avec un thème tendre et nostalgique qui a fait le tour du monde. Une partition incontournable du compositeur de Zemeckis, peut-être la plus émouvante et la plus touchante qu'il ait composé.
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