Antoine Duhamel retrouve une seconde et dernière fois Jean-Luc Godard après "Pierrot le Fou" (1965).
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Ennio Morricone a écrit la musique de ce premier film de Francis Girod, qu'il retrouvera avec RENÉ LA CANNE (1977), LA BANQUIÈRE (1980).
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C’est la première collaboration entre Michel Legrand et Jacques Deray avant de se retrouver sur "Un peu de soleil dans l'eau froide" (1971) et "Un homme est mort" (1972) - le disque réunit ces 3 partitions. Le compositeur écrit pour ce thriller solaire avec Alain Delon et Romy Schneider un court score pour choeurs, voix et orchestre. Le thème est d’une sensualité moite qui laisse ressentir la chaleur estivale. Pour traduire le climat trouble de la villa varoise, le compositeur déploie une partition en trompe-l’œil, où la sérénité camoufle un malaise en crescendo. Entre deux ballades faussement indolentes, guidées par le violon magique de Stéphane Grappelli ou les voix de Christiane et Michel Legrand, émergent plusieurs thèmes et chansons pop, destinés à nourrir les nuits tropéziennes.
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Carter Burwell retrouve les frères Coen après "Sang pour sang" (1984), "Arizona Junior" (1987) et "Miller's Crossing" (1990).
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Le compositeur autrichien Erich Wolfgang Korngold retrouve pour la troisième fois (sur 6 films) son compatriote Michael Curtiz après "L'arche de Noé" (1928) et "Capitaine Blood" (1935) et remporte pour cette partition son unique oscar.
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Première collaboration entre le compositeur John Barry et le réalisateur Guy Hamilton. "Goldfinger" est le troisième opus de la saga James Bond mais le premier sur lequel John Barry a eu la totale maîtrise de la partition jusqu'à sa chanson titre, interprétée par la voix suave de Shirley Bassey pour les génériques de début et de fin, version chantée du thème principal du film. On y retrouve ainsi la rythmique et les cuivres vrombissants. La chanson fut disque d'Or aux États-Unis.
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Le compositeur anglais Michael Nyman retrouve une seconde fois son compatriote Peter Greenaway après "The Falls" (1980).
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Nino Rota compose là l'une de ses pièces majeures dans sa collaboration avec l'italien Federico FellinI. Depuis son premier long métrage Le Cheik blanc en 1952, Federico Fellini confie la musique de ses films à Nino Rota. Le compositeur travaille ainsi sur quinze films du réalisateur, signant entre autres les mélodies de La Strada, La Dolce Vita, Huit et demi, ou Amarcord. Leur collaboration est interrompue par la mort de Nino Rota en 1979.
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Unique collaboration entre John Williams et Alfred Hitchcock pour le dernier film du cinéaste, qui après sa séparation avec Bernard Herrmann, a travaillé avec Ron Goodwin, Maurice Jarre et John Addison.
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Il s'agit de la première collaboration entre Jean-Claude Petit et Jean-Paul Rappeneau qui se retrouveront cinq ans plus tard sur Le Hussard sur le toit.
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C'est la deuxième collaboration Carné/Prevert/Jaubert après "Drôle de Drame" (1937). Les dialogues de Prévert et les décors portuaires embrumés d'Alexandre Trauner inspirent à Maurice Jaubert pour le générique une partition avec cordes, piano et accordéon. La mélodie est entre valse et java. Par la suite, c'est l'orchestre qui fait danser les mots des amoureux.
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Les chants de Noël, certains de Williams dans le film, illuminent le climat fête de Noël tandis que la musique se partage en fait entre la comédie, l'aventure et l'émotion. Le thème principal, qui évoque d'abord la nostalgie des festivités de Noël dans l'esprit de Kevin, va vite se transformer en un hymne à la magie de Noël et à ses miracles.
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Le compositeur polonais Zbigniew Preisner retrouve son compatriote Krzysztof Kieslowski pour le premier opus de sa trilogie française.
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John Barry signe la musique du premier film de Lawrence Kasdan pour leur unique collaboration, le cinéaste travaillera ensuite avec John Williams, James Horner, et surtout James Newton Howard sur ses 6 derniers films. Pour ce thriller, John Barry dévoile un visage plus sombre qu’à l’accoutumé, sans quitter pour autant la sensualité cuivrée d’un thème sexy au saxophone solo convoquant la séduction du film. La couleur feutrée et jazzy d’un quartet de jazz (un piano, une basse et une batterie s’ajoutent au saxo) est nuancée par un orchestre aux accents graves hérité des films noirs américains des années 40 (Assurance sur la mort).
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Ennio Morricone compose la musique du chef d'oeuvre de Terrence Malick. La bande originale s'ouvre avec le "Carnaval des animaux" de Camille St Saens. Il s'agit ici de la seconde édition en CD de cette musique de Morricone (la version album de 1978 avait été éditée en CD avec le western TWO MULES FOR SISTER SARAH). C'est la première édition intégrale.
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Le jazzman américain Herbie Hancock signe la musique du biopic sur Dexter Gordon par le français Bertrand Tavernier.
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Le réalisateur a eu l'excellente idée de faire appel au grand Georges Delerue qui a composé à peine 10 minutes de musique originale pour 'Police Python 357'. Pourtant, le peu de musique entendu dans le film s'avère être vraiment mémorable et digne de mention. Le score mélange atonalité glaciale héritée du langage des musiciens 'contemporain' des années 50/60 et tonalité tourmentée pour certains passages du film.
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Dernière collaboration entre Miklós Rózsa et Billy Wilder après "Les cinq secrets du désert" (1943), "Assurance sur la mort" (1944), "Le poison" (1945) et "La vie privée de Sherlock Holmes" (1970).
Goran Bregovic retrouve une troisième et dernière fois le cinéaste Emir Kusturica après "Le temps des gitans" (1988) et "Arizona Dream" (1993).
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La musique de Georges Delerue hante radicalement le film de Zulawski. Du début jusqu'à la fin, la musique traduit la passion destructrice et obsessionnelle entre Nadine et Servais, les tourments des différents protagonistes, le chaos, la folie, etc. En ce sens, Georges Delerue a probablement écrit l'une de ses musiques les plus sombres et les plus poignantes de ce milieu des années 70.
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Angelo Badalamenti retrouve David Lynch une deuxième fois après "Blue Velvet".
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Alexandre Desplat retrouve Jacques Audiard pour cette 5e collaboration, et une musique épurée et lumineuse à la fois.
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Première collaboration entre le compositeur Bernard Hermann et le réalisateur John L. Mankiewicz. Face à cette relation entre une jeune veuve anglaise et le fantôme d'un capitaine, la musique mêle la romance et les aspects fantastiques. Les aspirations romantiques du compositeur trouvent un écho dans les thèmes du film (la mort et la solitude). Comme à son habitude, Herrmann va plus loin que l'écriture mélodique de thèmes, en élaborant des motifs musicaux visuels par l'évocation des flux et reflux des éléments marins.
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Première édition sur CD de la partition la plus expérimentale et dérangeante du grand John Williams, pour ce film méconnu de Robert Altman. Une oeuvre étonnante pourtant incontournable. A découvrir !
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Dans la lignée de Chicken Run ou Shrek, Sinbad est une partition d'aventure incontournable du compositeur, dans la lignée des grands classiques du genre épique, Cutthroat Island ou The Sea Hawk. Probablement l'une des plus belles réussites de 2003 !
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Après le court-métrage "Zéro de conduite" (1933), Maurice Jaubert signe la musique de l'unique long métrage que réalise Jean Vigo peu avant mort. Le souci du compositeur d'intégrer sa musique dans le discours sonore du film s'exprime ici. Le rythme du thème d'amour au saxophone solo épouse la pulsation du moteur de la péniche. Ce thème entendu dés le générique se couple avec un autre thème ("Le chant des mariniers") joué synchrone par deux accordéonistes pendant le cortège de la messe.
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Le compositeur italien Nino Rota retrouve son fidèle compatriote Federico Fellini après "Le Cheik blanc" (1952) et "I Vitelloni" (1953). Le morceau principal de la partition s’ouvre par une trompette solo à la mélodie triste qu’un orchestre délicat vient soutenir. Puis il change de registre pour s'égayer à mi-parcours. Un deuxième thème apparaît, plus sautillant. Cette construction est à l’image du personnage de Gelsomina qui traverse le film du rire aux larmes.
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Unique film de la collaboration entre le compositeur Elmer Bernstein et du réalisateur Stephen Frears. Pour la première fois, le compositeur Elmer Bernstein convoque dans sa partition des sonorités électroniques. L'instrumentation pleine d'humour et d'ironie se déploie dans un rythme sautillant. Le thème se fait malicieux. L'hommage au film noir n'est pas considéré au premier degré. La musique donne le ton de la comédie. La partition s'aggrave par instants pour maintenir l'efficacité des séquences d'action ou de suspens et jouer avec le genre.
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François De Roubaix retrouve José Giovanni après "La loi du survivant" (1967) et "Le Rapace" (1968). Il adopte une démarche minimaliste et privilégie des motifs assez brefs qu'il réarrange sous diverses formes. Le thème principal du film est ainsi fréquemment repris mais dans une instrumentation différente. Flûte, bandonéon, piano, synthétiseur... appuyant l'idée de la recherche sans fin du tandem Jeanne/Marceau...
Elliot Goldenthal retrouve Julie Taymor après "Titus" (1999) pour ce biopic de l'artiste Frida Kahlo avec une partition à la couleur mexicaine et la guitare omniprésente (Oscar de la meilleure musique).
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Etrange polar abstrait et vénéneux avec Jane Fonda et Alain Delon ; réunissant des musiciens de l'orchestre de l'Opéra avec des choeurs et des ondes Martenot, Lalo Schiffrin compose une partition étonnante de modernité (entre énergie jazz et musique contemporaine atonale - alors très en vogue) qui n'a absolument pas pris une ride.
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Michel Legrand avait déjà composé pour Agnès Varda la bande son du court-métrage LES FIANCES DU PONT MAC DONALD (1961) mais c’est l’unique collaboration sur un long métrage de fiction entre Michel Legrand et Agnès Varda. Le compositeur écrit quatre chansons qu’interprète Corinne Marchand (qui incarne Cléo, chanteuse). Il construit ainsi le répertoire du personnage avant le tournage à partir du texte de la réalisatrice. Il joue lui-même le rôle du pianiste Bob. Après avoir interprété la chanson tragique “Sans toi”, Cléo (atteinte d’un cancer) affirme : “C’est réussi comme un enterrement”.
Jean-Claude Petit et Claude Berri travaillent pour la première fois ensemble avant de se retrouver la même année sur Manon des Sources, second volet du dyptique adapté de Marcel Pagnol.
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C'est la première collaboration de Maurice Jaubert pour Julien Duvivier. Une jeune veuve recherche les danseurs de sa jeunesse. Le compositeur convoque ainsi la valse sur un mouvement lent exprimant le climat nostalgique. Le rythme fluide se fait hésitant à l'image de l'héroïne qui regrette sa quête. La fameuse "Valse grise" est une des mélodies qui fait la célébrité de Jaubert.
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Première collaboration de Antoine Duhamel avec Jean-Luc Godard avant de le retrouver une seconde et dernière fois sur "Week-end" (1967).
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Le compositeur austro-hongrois Miklós Rózsa retrouve son compatriote Billy Wilder après "Les cinq secrets du désert", "Double Indemnity" ("Assurance sur la mort") et "The Lost Weekend" ("Le Privé").
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Deuxième film de la collaboration entre le compositeur Nino Rota et le réalisateur Luigi Zampa. Pour ce film de Luigi Zampa sur un village italien pendant la guerre, nous retrouvons la trompette chère à Nino Rota avec un ensemble de cordes mélodramatiques. Cette combinaison inédite correspond à l'humour grinçant du cinéaste qui mêle avec ironie les éléments dramatiques et les aspects de comédie de mœurs.
FRANTIC marque l'unique collaboration entre le compositeur Ennio Morricone et le cinéaste Roman Polanski.
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Septième collaboration entre Georges Lautner et son fidèle compositeur Philippe Sarde.
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Réalisé par Neil LaBute (avec Nicolas Cage et Ellen Burstyn), le film a fait l'ouverture du 63ème Festival de Venise en septembre 2006. Angelo Badalamenti défini sa musique pour ce film comme un véritable "score d'épouvante".
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John Barry retrouve son compatriote anglais John Guillermin 16 ans après NEVER LET GO (1960). Entre temps, le cinéaste a fait appel à John Williams (LA TOUR INFERNALE, 1974), Maurice Jarre (EL CONDOR, 1970), Elmer Bernstein (LE PONT DE REMAGEN, 1969), Francis Lai (UN CRI DANS L'OMBRE, 1968), Jerry Goldsmith (LE CREPUSCULE DES AIGLES, 1966), Georges Delerue (RAPTURE, 1965),
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Partition emblématique de la collaboration fructueuse de Georges Delerue avec Francois Truffaut, le morceau "Grand Choral" puise son inspiration chez Vivaldi ou Lully. On pense à une musique baroque du 17e siècle, une musique de cour qui confère aux séquences de tournage qui constituent le film un caractère cérémoniel. Tandis que la trompette soliste qui intervient dans un second temps apporte sa voix désabusée. Le rêve du cinéma et son envers sont tous deux contenus dans la musique.
John Lurie retrouve Jim Jarmusch après STRANGER THAN PARADISE (1984) et PERMANENT VACATION (1980).
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Le fidèle duo Mychael Danna/Atom Egoyan se retrouve pour une troisième collaboration, deux ans après "Speaking Parts" (1989).
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Unique collaboration entre le japonais Ryûichi Sakamoto et l'espagnol Pedro Almodóvar. Luz Casal interprètre deux chansons.
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Deuxième collaboration entre le réalisateur John Ford et le compositeur Max Steiner. Cette partition de Max Steiner est l'exemple d'une utilisation classique de la musique au cinéma à l'époque de l'âge d'or hollywoodien. Le ton lugubre de la musique prolonge l'ambiance de ce drame essentiellement nocturne. Le compositeur autrichien a écrit des thèmes pour chaque personnage et souligne avec sa musique tous les événements du film. Cette démarche appelée "Michey mousing" tend à accroître l'impact émotionnel des scènes.
Pour cette septième collaboration entre Fellini et Rota, le compositeur retrouve son instrumentation de cirque, d’autant que le film a comme sujet le spectacle. La fanfare (cuivres et percussions) de “la passerella di otto e mezzo” se fait entêtante pour illustrer les fantasmes obsédants du personnage dépressif incarné par Marcello Mastroianni. La musique participe à l’ivresse par la répétition de cette ritournelle.
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Il s'agit de la première composition musicale du compositeur anglais John Barry pour son compatriote Michael Anderson (ils se retrouveront une seconde fois sur "Murder by Phone" en 1982). Le réalisateur a aussi travaillé pour un seul film avec les illustres compositeurs Alex North ("The Shoes of the Fisherman"), Maurice Jarre (Pope Joan), Jerry Goldsmith (Logan's Run), Ennio Morricone (Orca), Hans Zimmer (Separate Vacations), Georges Delerue (Sword of Gideon), Michel Legrand (The Jeweller's Shop).
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Partition jazz de Martial Solal pour le premier film de Jean-Luc Godard.
Pour cette nouvelle collaboration entre Jaubert et Carné (la même année que "Le Quai des brumes"), Henri Jeanson succède à Prévert au dialogue. On retrouve la réalité sociale et le pittoresque des années 30. La musique convoque de nouveau l'accordéon. Un mouvement de valse triste illustre la misère abordée par le film sans aucune complaisance.
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Mychael Danna retrouve le cinéaste Ang Lee pour la quatrième fois après THE ICE STORM en 1997, LA CHEVAUCHEE AVEC LE DIABLE en 1999, et HULK en 2003 (partition rejetée et remplacée par celle de Danny Elfman).
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Première collaboration entre Angelo Badalamenti et Jean-Pierre Jeunet, l'un des réalisateurs de La Cité des enfants perdus. Ils se retrouveront neuf ans plus tard sur Un long dimanche de fiançailles (2004).
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Le compositeur chilien Jorge Arriagada retrouve son fidèle compatriote Raoul Ruiz.
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Cette première partition pour le cinéma de Bernard Herrmann, pour le premier film de Orson Welles, est révolutionnaire au sein de la musique hollywoodienne standard. Il privilégie la ponctuation à la simple illustration. Le prelude est une charge dramatique d’une obscurité totale qui plonge le spectateur dans les ténèbres dés l’ouverture. L’instrumentation à base d’une clarinette basse, de bassons, de flûtes et de trombones se situe dans un registre grave et sombre qui inaugure le récit avec la mort de Kane.
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Troisième collaboration de Elmer Bernstein avec Robert Mulligan après "Fear Strikes Out" (1957) et "The Rat Race" (1960) avant de se retrouver sur "Love with the Proper Stranger" (1963), "Baby the Rain Must Fall" (1965) et "Bloodbrothers" (1978). Pour le thème d'ouverture, un piano seul inaugure la partition, puis une flûte fait son apparition. L'ambiance est apaisée, magique, presque féérique. L'idée est d'épouser, comme le film, le regard des enfants. Leur innocence, leur espièglerie et leurs peurs sont convoquées. L'orchestre qui prolonge et achève le "main title" est élégiaque. La musique est à l'image du film qui résonne comme une ode à la tolérance.
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Le compositeur John Williams retrouve le cinéaste Oliver Stone après NE UN QUATRE JUILLET en 1989.
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Michel Legrand retrouve Jean-Luc Godard après "Une Femme est une femme" (1961). Le thème est basé sur la répétition de trois notes. La force mélancolique de cette mélodie utilisée dans tout le film provient de ce ressassement et de ce minimalisme. La musique sublime le visage de Anna Karina. Godard s'est emparé de cette partition pour y ajouter des silences entre les notes, l'adapter à son montage.
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Premier grand film de la longue collaboration entre le réalisateur Robert Enrico et le compositeur François de Roubaix.
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