Partition jazz de Martial Solal pour le premier film de Jean-Luc Godard.
Rob retrouve la réalisatrice Rebecca Zlotowski après BELLE EPINE (2010) et mêle percussions et flûte, invite le saxophone de Colin Stetson, pour une partition étonnante, construisant le monde froid et industrielle de la centrale nucléaire tout en convoquant l'histoire d'amour.
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Alexandre Desplat retrouve Jacques Audiard pour cette 5e collaboration, et une musique épurée et lumineuse à la fois.
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Le compositeur et violoncelliste néerlandais Ernst Reijseger retrouve le réalisateur allemand Werner Herzog après DANS L'OEIL D'UN TUEUR (2009, film inédit en France), THE WILD BLUE YONDER (2005, inédit en France) et le documentaire THE WHITE DIAMOND (2004).
François de Roubaix retrouve le réalisateur Robert Enrico au cinéma après "Contre point" (1964) et "Les Grandes gueules" (1965). La chanson "Laetitia" interprétée par Alain Delon est absente du film, elle a été ecrite à partir du thème principal a-posteriori.
Antoine Duhamel retrouve une seconde et dernière fois Jean-Luc Godard après "Pierrot le Fou" (1965).
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"Petulia" est le second des trois films que Richard Lester a fait avec John Barry. Après "The Knack" qui était ouvertement une comédie avec l'énergie du "Swinging London", nous avons ici une ambiance plus dépressive. Nous retrouvons l'association des cuivres et de l'orchestre qui est la marque de fabrique du compositeur, avec une note de mélancolie pour illustrer la solitude de Petulia.
Il s'agit de la première collaboration entre Jean-Claude Petit et Jean-Paul Rappeneau qui se retrouveront cinq ans plus tard sur Le Hussard sur le toit.
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Le compositeur anglais Michael Nyman retrouve une seconde fois son compatriote Peter Greenaway après "The Falls" (1980).
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Première collaboration du compositeur John Williams pour le cinéaste Chris Columbus, qu’il retrouvera ensuite sur la suite de la saga puis plus tard sur "Harry Potter". La musique se partage entre la comédie, l'aventure et l'émotion, et un thème principal qui évoque la nostalgie des festivités de Noël dans l'esprit du jeune Kevin (Macaulay Culkin).
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Le compositeur polonais Zbigniew Preisner retrouve son compatriote Krzysztof Kieslowski après la série du Décalogue.
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Pour cette septième collaboration entre Fellini et Rota, le compositeur retrouve son instrumentation de cirque, d’autant que le film a comme sujet le spectacle. La fanfare (cuivres et percussions) de “la passerella di otto e mezzo” se fait entêtante pour illustrer les fantasmes obsédants du personnage dépressif incarné par Marcello Mastroianni. La musique participe à l’ivresse par la répétition de cette ritournelle.
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John Barry signe la musique du premier film de Lawrence Kasdan pour leur unique collaboration, le cinéaste travaillera ensuite avec John Williams, James Horner, et surtout James Newton Howard sur ses 6 derniers films. Pour ce thriller, John Barry dévoile un visage plus sombre qu’à l’accoutumé, sans quitter pour autant la sensualité cuivrée d’un thème sexy au saxophone solo convoquant la séduction du film. La couleur feutrée et jazzy d’un quartet de jazz (un piano, une basse et une batterie s’ajoutent au saxo) est nuancée par un orchestre aux accents graves hérité des films noirs américains des années 40 (Assurance sur la mort).
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Cliff Martinez écrit pour la première fois une musique pour un film du danois Nicolas Winding Refn (BRONSON, LE GUERRIER SILENCIEUX) et retrouve son style des films de Steven Soderbergh, avec ces nappes électriques, enveloppantes et mystérieuses lorgnant vers les années 80/90, entre Kraftwerk et Tangerine Dream. D'ores et déjà pour nous l'une des meilleures BO de l'année !
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James Newton Howard fait son apparition dans l'oeuvre de Terrence Malick, lequel change de compositeur à chaque film (Ennio Morricone, Hans Zimmer, James Horner, Alexandre Desplat, Hanan Townshend) tout en convoquant majoritairement des titres préexistants (Bach, Beethoven, Handel, Dvorak, Gorecki, Arvo Pärt...).
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Réalisé par Neil LaBute (avec Nicolas Cage et Ellen Burstyn), le film a fait l'ouverture du 63ème Festival de Venise en septembre 2006. Angelo Badalamenti défini sa musique pour ce film comme un véritable "score d'épouvante".
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Pour cette nouvelle collaboration entre Jaubert et Carné (la même année que "Le Quai des brumes"), Henri Jeanson succède à Prévert au dialogue. On retrouve la réalité sociale et le pittoresque des années 30. La musique convoque de nouveau l'accordéon. Un mouvement de valse triste illustre la misère abordée par le film sans aucune complaisance.
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Carter Burwell retrouve les frères Coen après "Sang pour sang" (1984), "Arizona Junior" (1987) et "Miller's Crossing" (1990).
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Le compositeur américain Cliff Martinez retrouve le cinéaste danois Nicolas Winding Refn après DRIVE qui a marqué nos oreilles en 2011. A l'opposé de DRIVE, seules quelques chansons thailandaises chantées dans le film comme des intermèdes contrastent avec la partition sombre de Martinez.
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Partition emblématique de la collaboration fructueuse de Georges Delerue avec Francois Truffaut, le morceau "Grand Choral" puise son inspiration chez Vivaldi ou Lully. On pense à une musique baroque du 17e siècle, une musique de cour qui confère aux séquences de tournage qui constituent le film un caractère cérémoniel. Tandis que la trompette soliste qui intervient dans un second temps apporte sa voix désabusée. Le rêve du cinéma et son envers sont tous deux contenus dans la musique.
Le compositeur austro-hongrois Miklós Rózsa retrouve son compatriote Billy Wilder après "Les cinq secrets du désert", "Double Indemnity" ("Assurance sur la mort") et "The Lost Weekend" ("Le Privé").
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Le compositeur chilien Jorge Arriagada retrouve son fidèle compatriote Raoul Ruiz.
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Nino Rota compose là l'une de ses pièces majeures dans sa collaboration avec l'italien Federico FellinI. Depuis son premier long métrage Le Cheik blanc en 1952, Federico Fellini confie la musique de ses films à Nino Rota. Le compositeur travaille ainsi sur quinze films du réalisateur, signant entre autres les mélodies de La Strada, La Dolce Vita, Huit et demi, ou Amarcord. Leur collaboration est interrompue par la mort de Nino Rota en 1979.
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Deuxième collaboration entre le réalisateur John Ford et le compositeur Max Steiner. Cette partition de Max Steiner est l'exemple d'une utilisation classique de la musique au cinéma à l'époque de l'âge d'or hollywoodien. Le ton lugubre de la musique prolonge l'ambiance de ce drame essentiellement nocturne. Le compositeur autrichien a écrit des thèmes pour chaque personnage et souligne avec sa musique tous les événements du film. Cette démarche appelée "Michey mousing" tend à accroître l'impact émotionnel des scènes.
Ennio Morricone a écrit la musique de ce premier film de Francis Girod, qu'il retrouvera avec RENÉ LA CANNE (1977), LA BANQUIÈRE (1980).
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Philippe Schoeller, musicien issu de la musique contemporaine et électronique, retrouve une deuxième fois son frère réalisateur Pierre après VERSAILLES (2008) et propose pour ce grand film consacré aux politiques une partition de percussions expérimentale et concrète déconcertante, instaurant un climat baroque.
Bruno Coulais retrouve le réalisateur Benoit Jacquot après AU FOND DES BOIS en 2010 et VILLA AMALIA en 2009 (ces trois BO figurent dans le disque édité par les espagnols de Quartet Record). Dans LES ADIEUX A LA REINE, film tout en tension axé sur le personnage de Léa Seydoux qui accompagne Marie Antoinette la nuit où éclate la révolution française, une menace est permanente, une agitation s'installe dans les couloirs de Versailles. Bruno Coulais emploie un piano dissonant lors des déambulations dans le château, des couperets de cordes qui sont comme la lame d'une guillotine au moment où Lea Seydoux s'écroule ou encore des saccades de cordes à la toute fin dans une roulotte qui traverse une nuit d'enfer filmé comme dans un film fantastique. Du grand art !
Elliot Goldenthal retrouve Julie Taymor après "Titus" (1999) pour ce biopic de l'artiste Frida Kahlo avec une partition à la couleur mexicaine et la guitare omniprésente (Oscar de la meilleure musique).
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Michel Legrand avait déjà composé pour Agnès Varda la bande son du court-métrage LES FIANCES DU PONT MAC DONALD (1961) mais c’est l’unique collaboration sur un long métrage de fiction entre Michel Legrand et Agnès Varda. Le compositeur écrit quatre chansons qu’interprète Corinne Marchand (qui incarne Cléo, chanteuse). Il construit ainsi le répertoire du personnage avant le tournage à partir du texte de la réalisatrice. Il joue lui-même le rôle du pianiste Bob. Après avoir interprété la chanson tragique “Sans toi”, Cléo (atteinte d’un cancer) affirme : “C’est réussi comme un enterrement”.
Le réalisateur a eu l'excellente idée de faire appel au grand Georges Delerue qui a composé à peine 10 minutes de musique originale pour 'Police Python 357'. Pourtant, le peu de musique entendu dans le film s'avère être vraiment mémorable et digne de mention. Le score mélange atonalité glaciale héritée du langage des musiciens 'contemporain' des années 50/60 et tonalité tourmentée pour certains passages du film.
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Le compositeur Walter Schumann signe la musique de l'unique réalisation du comédien Charles Laughton avec la célèbre comptine de la petite fille sur sa barque "Once Upon a Time There Was a Pretty Fly". Il s'agit de sa dernière musique de film puisqu'il meurt 3 ans plus tard.
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Le compositeur autrichien Erich Wolfgang Korngold retrouve pour la troisième fois (sur 6 films) son compatriote Michael Curtiz après "L'arche de Noé" (1928) et "Capitaine Blood" (1935) et remporte pour cette partition son unique oscar.
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Angelo Badalamenti retrouve David Lynch une deuxième fois après "Blue Velvet".
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Mychael Danna retrouve le cinéaste Ang Lee pour la quatrième fois après THE ICE STORM en 1997, LA CHEVAUCHEE AVEC LE DIABLE en 1999, et HULK en 2003 (partition rejetée et remplacée par celle de Danny Elfman).
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Après avoir travaillé avec Philippe Rombi (LE COUT DE LA VIE, DU JOUR AU LENDEMAIN), Philippe Le Guay retrouve le chilien Jorge Arriagada 22 ans après LES DEUX FRAGONARD (1989). La musique épouse l'exotisme des femmes espagnoles de l'histoire.
Unique collaboration entre le japonais Ryûichi Sakamoto et l'espagnol Pedro Almodóvar. Luz Casal interprètre deux chansons.
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Pour ce premier film de Jacques Demy, Michel Legrand écrit déjà des chansons. Anouk Aimée incarne une danseuse. Tout l'univers Legrand/Demy est déjà en germe. La mélancolie du cinéaste est également présente et se retrouve dans la partition. Le thème de "Roland rêve" est à la fois désabusé et lumineux. La mélodie triste jouée par l'orchestre est rendue poétique par quelques voix célestes.
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Troisième collaboration de Elmer Bernstein avec Robert Mulligan après "Fear Strikes Out" (1957) et "The Rat Race" (1960) avant de se retrouver sur "Love with the Proper Stranger" (1963), "Baby the Rain Must Fall" (1965) et "Bloodbrothers" (1978). Pour le thème d'ouverture, un piano seul inaugure la partition, puis une flûte fait son apparition. L'ambiance est apaisée, magique, presque féérique. L'idée est d'épouser, comme le film, le regard des enfants. Leur innocence, leur espièglerie et leurs peurs sont convoquées. L'orchestre qui prolonge et achève le "main title" est élégiaque. La musique est à l'image du film qui résonne comme une ode à la tolérance.
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Première édition sur CD de la partition la plus expérimentale et dérangeante du grand John Williams, pour ce film méconnu de Robert Altman. Une oeuvre étonnante pourtant incontournable. A découvrir !
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Alexandre Desplat fait la rencontre pour ce film politique du cinéaste Costa-Gavras, lequel faisait auparavant appel à son ami Armand Amar, avec une instrumentation grecque (Buzuki, Tzouras, Baglamas) ajoutée au Cymbalum et aux flûtes.
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Philippe Sarde signe sa première BO pour Claude Sautet, dont la "Chanson d'Hélène" interprétée par Romy Schneider.
FRANTIC marque l'unique collaboration entre le compositeur Ennio Morricone et le cinéaste Roman Polanski pour ce film policier tourné à Paris avec Harrison Ford à la recherche de sa femme disparue.
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Ludovic Bource retrouve Michel Hazanavicius pour la quatrième fois après MES AMIS en 1999 et les deux épisodes de OSS 117. Dans cet hommage au cinéma muet, le compositeur rend hommage aux musiciens du Golden Age : Waxman, Steiner, Herrmann ("Vertigo"), mais aussi aux comédies musicales avec des mélodies de jazz...
Unique film de la collaboration entre le compositeur Elmer Bernstein et du réalisateur Stephen Frears. Pour la première fois, le compositeur Elmer Bernstein convoque dans sa partition des sonorités électroniques. L'instrumentation pleine d'humour et d'ironie se déploie dans un rythme sautillant. Le thème se fait malicieux. L'hommage au film noir n'est pas considéré au premier degré. La musique donne le ton de la comédie. La partition s'aggrave par instants pour maintenir l'efficacité des séquences d'action ou de suspens et jouer avec le genre.
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Il s'agit de l'unique collaboration entre les américains John Williams et Arthur Penn.
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Unique collaboration entre John Williams et Alfred Hitchcock pour le dernier film du cinéaste, qui après sa séparation avec Bernard Herrmann, a travaillé avec Ron Goodwin, Maurice Jarre et John Addison.
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Le compositeur polonais Zbigniew Preisner retrouve son compatriote Krzysztof Kieslowski pour le premier opus de sa trilogie française.
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C’est la première collaboration entre Michel Legrand et Jacques Deray avant de se retrouver sur "Un peu de soleil dans l'eau froide" (1971) et "Un homme est mort" (1972) - le disque réunit ces 3 partitions. Le compositeur écrit pour ce thriller solaire avec Alain Delon et Romy Schneider un court score pour choeurs, voix et orchestre. Le thème est d’une sensualité moite qui laisse ressentir la chaleur estivale. Pour traduire le climat trouble de la villa varoise, le compositeur déploie une partition en trompe-l’œil, où la sérénité camoufle un malaise en crescendo. Entre deux ballades faussement indolentes, guidées par le violon magique de Stéphane Grappelli ou les voix de Christiane et Michel Legrand, émergent plusieurs thèmes et chansons pop, destinés à nourrir les nuits tropéziennes.
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Septième collaboration entre Georges Lautner et son fidèle compositeur Philippe Sarde qui propose un mélange inédit entre la dimension classique des cordes et d'une flute et le jazz avec l'apport du trompettiste de jazz américain Chet Baker.
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Troisième film signé en collaboration entre le compositeur Ennio Morricone et le réalisateur Marco Bellocchio. Pour Marco Bellochio, le compositeur Ennio Morricone livre une partition expérimentale où les carillons et une voix aiguë mystérieuse instaurent un climat d'étrangeté. C'est cette voix qui ouvre et clôt le film. Cette partition anticipe ce que Morricone fera pour la trilogie animalière de Dario Argento ("L'Oiseau au plumage de cristal", 1970).
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Le fidèle duo Mychael Danna/Atom Egoyan se retrouve pour une troisième collaboration, deux ans après "Speaking Parts" (1989).
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Après le court-métrage "Zéro de conduite" (1933), Maurice Jaubert signe la musique de l'unique long métrage que réalise Jean Vigo peu avant mort. Le souci du compositeur d'intégrer sa musique dans le discours sonore du film s'exprime ici. Le rythme du thème d'amour au saxophone solo épouse la pulsation du moteur de la péniche. Ce thème entendu dés le générique se couple avec un autre thème ("Le chant des mariniers") joué synchrone par deux accordéonistes pendant le cortège de la messe.
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La rigueur et la retenue sont à l'œuvre avec un thème exprimé par des instruments solo et la déchirante voix de Lisbeth Scott. Une voix, des cordes, un piano, une guitare soutiennent un thème intense, pour une partition à la fois mélancolique et angoissante, thématique et dissonante. Cette émotion sombre et ambigüe est rare chez le compositeur. Un nouveau chef d'oeuvre poignant pour Spielberg !
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La collaboration entre le réalisateur Yannick Bellon et le compositeur Georges Delerue n'est pas à ses débuts. Pour ce premier film obscur de Yannick Bellon, la veine plus sombre, étrange et atonale du compositeur Georges Delerue se révèle. La partition s'apparente ici à une pièce de musique contemporaine. Cette musique athématique n'évolue que très peu, à l'image du couple en crise ou de la destruction du personnage par l'alcool. Delerue illustre en musique une certaine déshumanisation urbaine.
François De Roubaix retrouve José Giovanni après "La loi du survivant" (1967) et "Le Rapace" (1968). Il adopte une démarche minimaliste et privilégie des motifs assez brefs qu'il réarrange sous diverses formes. Le thème principal du film est ainsi fréquemment repris mais dans une instrumentation différente. Flûte, bandonéon, piano, synthétiseur... appuyant l'idée de la recherche sans fin du tandem Jeanne/Marceau...
Michel Legrand retrouve Jean-Luc Godard après "Une Femme est une femme" (1961). Le thème est basé sur la répétition de trois notes. La force mélancolique de cette mélodie utilisée dans tout le film provient de ce ressassement et de ce minimalisme. La musique sublime le visage de Anna Karina. Godard s'est emparé de cette partition pour y ajouter des silences entre les notes, l'adapter à son montage.
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Chose étonnante, ce n'est pas l'habituel complice de Tim Burton, Danny Elfman, qui composa la musique pour Ed Wood mais Howard Shore, totalement inattendu sur ce film (Elfman s'est en fait disputé avec Burton et a refusé d'écrire sa musique - ce sera la seule exception). Habitué aux productions d'horreur psychologiques de David Cronenberg, Shore a toujours montré son goût pour l'éclectisme et la diversité.
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Alberto Iglesias retrouve pour la huitième fois son fidèle réalisateur espagnol Pedro Almodovar. Nous entendons dans le film les chansons "Between The Bars" de Chris Garneau, "Shades of Marble" de Trentmöller, "Por El Amor De Amar" et "Se Me Hizo Fácil" de Concha Bulka.
