Cet ouvrage ausculte le travail de musique de film, comme un guide qui donne des clefs pour une collaboration efficace et pour la compréhension des besoins musicaux d’un film, à travers les propos de centaines de compositeurs et réalisateurs que l’auteur a glané en 15 ans d’interviews (Vladimir Cosma, Warren Ellis, Maurice Jarre, Béatrice Thiriet, Michel Legrand, Bruno Coulais et Benoit Jacquot, Gabriel Yared, Tony Gatlif, Hans Zimmer, Cédric Klapisch, Jérôme Lemonnier et Denis Dercourt, Philippe Rombi et François Ozon, Alan Silvestri, Lalo Schifrin, Rebecca Zlotowski et Rob...) Parmi les questions abordées: pour un réalisateur, quel compositeur choisir, et comment? Un compositeur de cinéma est-il un caméléon? Un choix instrumental doit-il toujours être justifié par l’image? La musique est-elle toujours nécessaire? Comment la musique contribue-t-elle à raconter l’histoire du film? Le compositeur doit-il assister au mixage?
« J'ai découvert que mes souvenirs ne se résumaient pas à un sentiment de mélancolie devant les choses qui, comme le temps, se sont enfuies. Ils me font au contraire regarder devant moi, comprendre que je suis toujours là, encore surpris de ce qu'il peut m'arriver. » Ma musique, ma vie résulte de trois années d'entretiens entre Ennio Morricone et le compositeur Alessandro De Rosa, trois années d'échanges passionnés au fil desquels émerge, comme des variations d'un concerto, la trame d'une autobiographie unique en son genre. Si le Maestro a accédé à la célébrité grâce à ses bandes originales devenues légendaires, de nombreux pans de sa vie et de son uvre restent méconnus du grand public. À l'approche de ses soixante ans de carrière, l'heure était donc venue pour le musicien de tout dire de ses choix, de ses échecs et de ses réussites, de ses enthousiasmes, de ses influences et admirations. Outre son parcours, depuis ses études au conservatoire jusqu'à son sacre aux Oscars en 2016, c'est plus d'un demi-siècle d'expérimentations musicales et de cinéma que Morricone fait revivre, allegro e vivace, au rythme de ses souvenirs.
Guide pratique de l'utilisation de la musique pour les formats audiovisuels. Cet ouvrage répond aux questions des acteurs de la musique et de l'image qui veulent « valoriser » leurs œuvres.
Près de 40 pages de textes et d'entretiens autour de la musique de films aujourd'hui, de Cliff Martinez à Ryuichi Sakamoto, en passant par Mica Levi, Jean-Benoît Dunckel, David Wingo, Rob ou John Williams...
Dans le cadre de la collection Figures musicales du Liban dont le but est de faire connaître le patrimoine musical libanais des 20e et 21e siècles, l'auteur Zeina Saleh Kayali (vice-présidente du Centre du patrimoine musical libanais) signe cet ouvrage biographique en 2 parties (La Vie / L'oeuvre) sur le compositeur Gabriel Yared, relatant son parcours de sa naissance à aujourd'hui, en évoquant sa famille, le Liban, les méthodes de travail, ses musiques de films mais aussi ses musiques de ballet et de chambre.
Par-delà le foisonnement des styles et la diversité des postures créatrices, ce livre tente de dégager les courants, les spécificités et les évolutions qui ont parcouru la pratique de la « musique française » de film.
Les émotions jouent un rôle central dans la communication audiovisuelle et celles-ci sont très souvent traduites par la musique ou par les sons. Une quinzaine d?auteurs, sous la direction de Muriel Joubert et Bertrand Merlier, explorent la question de la traduction des émotions dans les musiques de films (ou de produits audiovisuels).
La première partie de cet ouvrage pose les bases de la réflexion : Qu?est-ce qu?une musique de film ? Quel est son rôle ? Qu?est-ce que les émotions ? Comment fonctionnent les mécanismes émotionnels ? La seconde partie pénètre dans le vif du sujet, selon quatre approches : l?expression musicale et la « valeur ajoutée de la musique », l?émotion et l?intentionnalité, les déplacements de l?émotion, les outils et méthodes.
Les meilleurs films sélectionnés s'accompagnent de la bande originale. Aucun amoureux du cinéma ne passera à côté de ce fabuleux régal audiovisuel et musical (8 CD, 9 heures de musique, 140 thèmes cinématographiques), car au cinéma, les images et la musique sont irrémédiablement liées. Une sélection subjective qui nous invite à revivre la nostalgie, à redécouvrir des joyaux oubliés et à en connaître de nouveaux. Un livre de référence !
Ouvrage réalisé à l'occasion d'une exposition ayant lieu du 19 mars au 18 août 2013 à la Cité de la musique. Cet ouvrage constitue un véritable événement pour les cinéphiles et les mélomanes. C'est le premier beau livre qui se propose d'explorer les liens unissant ces deux arts et de révéler le rôle de la musique à toutes les étapes de la vie d'un film.
Pour la première fois, un livre regroupe des textes et des témoignages inédits entièrement consacrés au compositeur John Williams. Auteur des partitions de Jaws, Star Wars, Indiana Jones, Jurassic Park, Harry Potter et Tintin, John Williams est également jazzman, chef d'orchestre, compositeur de musique savante et scénariste musical - pour Wyler, Altman, Eastwood, Spielberg, Hitchcock, Penn, Frankenheimer, Lucas, De Palma, Stone, Pakula, Annaud, Pollack, Parker. Après soixante ans de carrière, ses goûts et mélanges musicaux, et leur impact socioculturel, restent à décrypter. En partant de cette oeuvre iconique, organique, complexe, que trop peu se sont risqués à étudier, il s'agit d'éclairer ici les multiples labyrinthes et carrefours (héritage, technique, esthétique) creusés par ce musicien.
Cristina Cano enseigne la Sémiotique de la Musique dans le cursus de maîtrise du D.A.M.S. à l'Université de Bologne et est professeur d'Histoire de la Musique pour l'étude des méthodes d'enseignement, au Conservatoire G.B. Martini de la même ville. Elle a publié de nombreux articles sur la didactique de la musique et la sémiotique musicale, parmi lesquels " Cinema e Musica " (Valleccht ; 1995, co-écrit avec G. Cremonini) et " Il registro sonoro della comunicazione pubblicitaria " (dans V Meroni, Marketing della pubblicità, éd. Il Sole 24 Ore, 1990). Elle a par ailleurs supervisé les bandes-son de plusieurs films.
Le score dissonant de Jonny Greenwood, guitariste du groupe Radiohead, illustre There Will Be Blood, le chef d'oeuvre pétrolier de Paul Thomas Anderson. La musique de film fête ses 100 ans. Christophe Geudin et Olivier Cachin en racontent la passionnante histoire à travers 100 bandes-son indispensables, en toute subjectivité.
Entre évidences (Bernard Herrmann, les travaux d Ennio Morricone, John Barry, Elmer Bernstein, Jerry Goldsmith, Nino Rota) et objets de culte (The Rocky Horror Picture Show, Shaft, Cannibal Holocaust, le cinéma de genre italien), les auteurs revisitent les coulisses de ces enregistrements mythiques et décryptent le rapport étroit entre l'image et la musique sur grand écran, avec des visuels rares et oubliés pour ajouter le choc des illustrations au poids des partitions.
Panorama BO : 20 musiques de films Électroniques (2ème partie : la Scène Française)
Panorama BO : 20 musiques de films Électroniques (1ère partie : A l’international)
Panorama BO : Le Festival de Cannes en 20 musiques de Palmes d’Or [Podcast]
